JEROME SANS. When and how did you start making art?
DANILO BUCCHI. I remember that from a very young age drawing was a constant playmate.
During my academic studies I began to get myself noticed in unconventional spaces: from street mural painting to small shows in clubs and discos, to set designs, etc.
Encouraged by my teachers, at around twenty years of age, I began to consider dedicating myself fully to this “profession”.
J.S. What did your first painting look like?
D.B. It was monochrome, black with a red line across it, small format, similar to a slash by Fontana, an artist that I was not yet aware of. I was roughly thirteen, and I had found two lucky canvases in the basement, outlined with drawings by my father and some tubes of oil colours.
J.S. How did the experience of being born and growing up in an ancient city like Rome affect your contemporary painting process?
D.B. You know, Rome is a city so full of everything, so baroque, there is really so much that all I could do in my work was to simplify.
Rome taught me to seize the moment.
Rome feeds your need for what is essential.
J.S. How would you describe your work ?
D.B. My work is liberty…. a personal necessity…. it is selfish and intimate.
It is also the product of a path of the greatest possible intellectual honesty. I went down many roads, particularly when I was younger. I wanted to experiment and I did.
I knew that I had one certainty, my own sign… but I wished to call it into question through various phases of research that could be defined “cycles”.
With time, I naturally returned towards the certainties, in other words the sign, which allows me not to loose any of the suggestive sparks that light the fuses of my works; using white, black and the sign, I have all I need to express myself. But if I really have to give an explanation, I can say that, in reality, my work is what happens between me and the canvas.
J.S. Your work contains many characters of a playful type. What are the sources for your figures and what kind of meaning do they have for you?
D.B. The origins of the characters are essentially mysterious to me as well. I think that they are the product of a stylistic synthesis between life lived and imagined, between real and unreal.
J.S. Do your single line works have any historic antecedents? What are your feelings about the automatic surrealist drawings artists such as Andre Masson, the abstract expressionist Jackson Pollock with “dripping painting” or even the famous Italian animation TV program “La Linea”?
D.B. Yes, certainly… they have historical antecedents… being children of the past is inevitable….
Pollock and Masson were great masters of their time, able to produce masterpieces of timeless value. I respect them greatly.
I share Masson’s idea, who believed that working in a reduced state of consciousness helped the artist to liberate themselves from the control of rationality, and to enter into full contact with the creativity of the subconscious, and, as a painter, I know that it is a very hard state to reach…
I admire Pollock’s way of working.
In terms of the television programme “la linea”, I find it brilliant, and I think that it is an incredible encounter/synthesis between language, content and music that is able to communicate universally.
J.S. What is your relationship to monochromatic painting history ?
D.B. I have great respect for the masters of the movement.
It was an important part of the avant-garde, a great split in the Twentieth Century, and I foresee that it will be in the future.
Painters have created the exploration of a colour, the study of the change in values through a surface, the expressivity of textures and shades that express a large variety of emotions, intentions and meanings in different ways, methods and surfaces.
My work has an affinity to monochromatic painting, with awareness and intellectual honesty of what has already taken place in the history of art. But I am, in fact, a figurative painter who has developed his own figurative genre.
I feel the need to go further!
J.S. Do you find yourself to be in a kind of mesmerized trance-like state while you are painting? Do you feel that this process allows your subconscious to convey secret messages through your work?
D.B. It all starts with a circular movement of the arm that draws the first line, which then continues on and on and begins to construct itself an independent mental state. I don’t know if it is a trance, autism or other, I know that at a certain point the balance of the white on the canvas is broken, and the construction of a new balance begins. When I come to, the painting is finished. It is in that moment that I look at it, and the painting explains itself to me. When I paint, I separate from myself, from reality, I no longer care who I am, what I am, I allow what is inside of me to come out, I liberate myself, then when I reread…I understand.
J.S. You frequently produce live performances created in collaboration with musicians, technicians, scientists and engineers during which you link your traced line to sound. When and how did you start making these performances and what role do they play in your painting process?
D.B. The idea comes from a painting entitled “tratto da onde sonore” (drawn from sound waves), which is a work that I created whilst listening to extremely loud music through headphones. The tempo was very high tempo, 140 bpm. I was interested in how much the music influenced the development of the painting. Inevitably, I asked myself: what if it was the sign that emitted sound? This is how the project “Retro azione di un segno di suono” began, but we call it “sinfonia di immagini” (symphony of images).
I draw live, in real time, onto glossy paper attached to glass. A complex system of video recording is able to read the pictorial action, reading both the line and the speed of the movement.
In the studio, the sound engineers receive the data, which they process using an algorithm created by them for this project. And, at the same time, they restore the sound, which is added live by a pianist, and the video, which is projected onto a screen.
The result is that the public sees the execution of a painting from my exact point of view. They feel and see what I feel and see, whilst they are musically engaged by rhythms and melodies generated by the actual pictorial movement, experiencing the entire creative process.
With this project, I am able to make people understand how much music is contained within a work. But, most importantly, we were able to create music that is “internal” to my work, and to let the user experience that which is felt in the creation of an artwork.
J.S. What is your approach with street art that you put back to back with the great masters of monochrome painting?
D.B. My relationship with Street Art is concrete, real life, but I find that there is no great connection to the masters of monochromatic art.
J.S. Which artists have been influential for you and who are the contemporary artists that you feel close to?
D.B. I have an academic background; I would say that the entire history of art has influenced me.
I would have to reference many!
I have a treasured memory… one day, with my father, who was an art lover, we visited the studio of Mario Schifano. I was about fourteen years old, it was a great experience; I was struck, in particular, by his synthetic style, his pictorial freedom….the magic of an artist’s studio, and this inspired me and made me realise that “it could still be done”.
I feel close to many contemporary artists, I very much like the portraiture of Francesco Clemente and Antony Gormley’s sculptures.
J.S. Have you ever thought of making animation video painting?
D.B. Well..yes, I have thought about it and done it!
I am referring to Retro azione di un segno di suono, the performance that I did in Rome in 2009; the perfect balance between analogue and digital.
J.S. Is there a project you never realized that you dream of doing?
D.B. Yes.. many!!!

Jerome Sans intervista Danilo Bucchi
J.S. Quando e come hai cominciato a fare arte?
D.B. Ricordo da molto piccolo; il disegnare è stato un mio costante compagno di giochi.
Durante gli studi accademici cominciai facendomi notare in spazi non proprio convenzionali: dalla pittura murale in strada a piccole esposizioni in clubs, discoteche, ad allestimenti scenografici, ecc.
Incoraggiato dai miei maestri, a circa 20 anni, cominciai a prendere in considerazione l’idea di dedicarmi con continuità a questo “mestiere”.
J.S. Com’era il primo quadro che hai fatto?
D.B. Era un monocromo nero con una linea rossa che lo attraversava, di piccolo formato, simile ad un taglio di Fontana, artista che ancora non conoscevo, avevo circa 13 anni e avevo trovato in cantina due tele di fortuna, abbozzate da disegni di mio padre e dei tubi di colori ad olio.
J.S. In che modo essere nato e cresciuto in una città di storica come Roma ha influenzato il tuo processo di pittura contemporanea?
D.B. Sai, Roma è una città talmente piena di ogni cosa , barocca, c’è talmente tanto che l’unica cosa che potevo fare nel mio lavoro era asciugare.
Roma mi ha abituato a cogliere l’attimo..
Roma ti alimenta il bisogno di essenziale.
J.S. Come descriveresti il tuo lavoro?
D.B. Il mio lavoro è libertà…, necessario a me stesso…, è egoista e intimo.
È anche il risultato di una ricerca della massima onestà intellettuale possibile. Ho camminato su parecchie strade soprattutto quando ero più giovane. Avevo voglia di sperimentare e l’ho fatto.
D.B. Sapevo di avere una certezza, un mio segno… ma ho voluto metterlo in discussione attraverso le varie fasi di ricerca che si potrebbero definire “cicli”.
Con il tempo sono ritornato naturalmente verso le certezze, ossia il segno, che mi consente di non perdere niente di quei lampi suggestivi che accendono le micce dei miei lavori; utilizzando il bianco, il nero e il segno ho quanto mi basta per esprimermi. Ma se devo veramente dare una spiegazione, posso dire che in realtà il mio lavoro è tutto quello che succede tra me e la tela.
J.S. Nel tuo lavoro sono raffigurati molti personaggi che sembrano giocattoli. Quali sono le fonti dei personaggi e che significato hanno per te?
D.B. Le origini dei personaggi sono in fondo misteriose anche per me. Credo che siano il frutto di una sintesi stilistica tra vita vissuta e immaginata, tra reale ed irreale.
J.S. I tuoi lavori a tratto continuo hanno degli antecedenti storici? Cosa pensi dei disegni automatici dei surrealisti come Andre Masson, dell’espressionista astratto Jackson Pollok e i suoi lavori di dripping o ancora il famoso programma animato della tv italiana “la linea”?
D.B. Certamente si… hanno degli antecedenti storici… è inevitabile essere figli del passato….
Pollock e Masson sono stati grandi maestri del loro tempo, capaci di produrre capolavori di valenza atemporale. Li stimo molto.
Condivido il pensiero di Masson che riteneva che lavorare in ridotto stato di coscienza aiutava l’artista a liberarsi dal controllo della razionalità e ad entrare in pieno contatto con la creatività dell’inconscio e da pittore so che è uno stato difficilissimo da raggiungere ..
Stimo i mezzi stilistici di Pollock.
Per quanto riguarda il programma tv “la linea”, lo trovo geniale e penso sia un incredibile incontro/sintesi tra linguaggio, contenuto e musica che riesce a comunicare in maniera universale.
J.S. Quale relazione hai con la storia della pittura monocromatica?
D.B. Ho una grande stima per i grandi mastri di questo movimento.
È stata una componente importante di avanguardia, un grande spaccato del XX secolo e prevedo lo sarà nel futuro.
I pittori hanno creato l’esplorazione di un colore, l’esame del cambiamento dei valori attraverso una superficie, l’espressività di texture e sfumature che esprimono una grande varietà di emozioni, intenzioni e significati in diversi modi, mezzi e superfici.
Mi relaziono alla pittura monocromatica, con coscienza e onestà intellettuale di quanto è già accaduto nella storia dell’arte, ma di fatto sono un pittore figurativo che ha sviluppato un suo genere figurativo.
Sento l’esigenza di andare oltre!
J.S. Ti sembra di essere in una specie di trance mesmerica quando dipingi? Credi che questo processo permetta al tuo subconscio di portare in superficie dei segreti attraverso il tuo lavoro?
D.B. Tutto inizia con un movimento circolare del braccio che traccia la prima linea che poi continua ancora e ancora e inizia a costruirsi uno stato mentale indipendente, non so se sia trance, autismo o altro, so che ad un certo punto si rompe l’equilibrio del bianco sulla tela, e inizia la costruzione di un nuovo equilibrio. Quando rinvengo il quadro è finito. È in quel momento che lo guardo e il quadro si spiega a me.
Quando dipingo succede che mi distacco da me stesso, dalla realtà, non mi importa più chi sono, cosa sono, mi libero, poi quando rileggo….capisco.
J.S. Hai fatto spesso performances in collaborazione con musicisti, tecnici, ingegneri durante le quali stabilisci una connessione tra tratto e suono. Quando e come hai cominciato queste perfomance e quale ruolo hanno nel tuo processo pittorico?
D.B. L’idea nasce da un quadro che si chiama “tratto da onde sonore”, che è un lavoro che realizzai ascoltando musica in cuffia ad altissimo volume. C’era un tempo ritmico molto alt, 140 bpm, mi incuriosì quanto la musica influenzasse lo svolgimento del quadro. Inevitabilmente mi sono chiesto: e se fosse il segno ad emettere suono? Così è nato il progetto “Reatroazione di un segno di suono”, ma noi lo chiamiamo “sinfonia di immagini”.
Io disegno dal vivo in tempo reale su una carta satinata applicata su un vetro. Un complesso sistema di ripresa video è in grado di leggere l’azione pittorica leggendo sia il tratto che la velocità del movimento.
In regia, i sound engeneers ricevono i dati che trattano attraverso un algoritmo da loro creato per questo progetto e restituiscono contemporaneamente il suono, che viene integrato da un pianista live e il video viene proiettato su uno schermo.
Il risultato è che il pubblico vede l’esecuzione pittorica esattamente dal mio punto di vista, sente e vede quello che io sento e vedo, mentre viene coinvolto musicalmente da ritmi e melodie generate dallo stesso movimento pittorico assistendo all’intero processo creativo.
Con questo progetto riesco a far capire quanta musica contiene un’opera ma soprattutto, siamo riusciti a creare una musica “interna” al mio lavoro e far provare al fruitore quello che si sente nella creazione di un’opera.
J.S. Qual’ è il tuo approccio alla Street Art e in che modo la metti in relazione con i grandi maestri dell’arte monocroma?
D.B. Il mio rapporto con la Street Art è concreto, vita vissuta, ma trovo che non ci sia una grande relazione con i maestri dell’arte monocroma.
J.S. Quali artisti ti hanno influenzato di più e quali sono gli artisti contemporanei ai quali ti senti più vicino?
D.B. Ho una formazione accademica; direi che tutta la storia dell’arte mi ha influenzato.
Dovrei citarne tanti!
Ho un caro ricordo…con mio padre, che era un appassionato d’arte, un giorno ci recammo nello studio di Mario Schifano. Avevo circa 14 anni, fu una grande esperienza; mi colpì in particolare la sua sintesi stilistica, la sua libertà pittorica…..la magia dello studio di un artista e questo mi stimolò e mi fece capire che “si poteva ancora fare “.
Tra i contemporanei sono molti a cui mi sento vicino, mi piace molto la ritrattistica di Francesco Clemente e la scultura di Antony Gormley.
J.S. Hai mai pensato di fare video painting (digitale/analogico)?
D.B. Bèh.. si, pensata e fatta!
Mi riferisco a Retro azione di un segno di suono, la performance che feci nel 2009 a Roma; il giusto peso tra analogico e digitale
J.S. Esiste un progetto che sogni di fare e non hai ancora realizzato?
D.B. Si… molti!!!